Es ist nicht überraschend, dass die korrekte (grafische) Perspektive in der Kunst sehr wichtig ist. Wie man die Perspektive einsetzt, hängt jedoch davon ab, was die Menschen sehen sollen. Es kann eine besonders nützliche Technik sein, um die Erwartungen eines Betrachters zu hinterfragen.

In der Schule lernte ich die verschiedenen Konstruktionen der Perspektiven kennen. Ich fand die verschiedenen Techniken zu dieser Zeit verwirrend, insbesondere die Idee mehrerer Fluchtpunkte aus einem (physisch) fixierten Standpunkt. Über ein Jahrzehnt später habe ich immer noch Probleme damit.

1. Eine bisschen Geschichte

Die Art und Weise, wie Menschen die Perspektive eines Objektes wahrnehmen, hat sich im Laufe der Zeit verändert. Eine frühe Verwendung der Perspektive bestand darin, die Subjekte hierarchisch anzuordnen, wo die Figuren übereinander angeordnet waren. Diese Technik wurde von den Ägyptern, Griechen, Römern und auch in der frühchristlichen Kunst häufig eingesetzt. Bei dieser Perspektivannäherung wurden die Figuren häufig überlappt, um einen Eindruck von Tiefe zu vermitteln. Heute scheint diese Technik flach und statisch zu sein, damals war das aber sicher nicht so.

Diese frühen Techniken führten schließlich zu Experimenten mit einer Schräg-perspektive, die in Asien bereits seit dem 1. oder 2. Jahrhundert verwendet wurde. Diese Denkschule hielt fast 1000 Jahre an, bis die Mathematik in der Renaissance in das künstlerische Feld eintrat. Die Einführung der Mathematik führte zu einer Entwicklung von einer Perspektive mit nur einem Fluchtpunkt, zu einer mit mehreren Fluchtpunkten.

Diese Entwicklung hin zu einer „realistischeren“ Sichtweise bedeutete jedoch einen starken Anstieg der Komplexität und war sehr zeitaufwändig. Sie hat dem Künstler auch mehr Einschränkungen auferlegt.

2. Einige Komplikationen

In der Renaissance schufen zahlreiche Künstler Stücke durch die Umsetzung komplexer Perspektiven. Zu diesem Zweck erfanden sie Geräte, wie das unten abgebildete, um sicherzustellen, dass die Sicht des Künstlers in Bezug auf das Thema in einer konsistenten Position blieb. Das Ergebnis bedeutete jedoch, dass der Betrachter genau in derselben Position wie der Künstler stehen musste, damit das Bild „perfekt“ funktionieren konnte.

Doch das war nur eines der vielen Probleme. Trotz der erstaunlichen Ergebnisse war der Prozess zeitaufwändig und es war nur eine mathematische oder vielleicht logische Annäherung an das, was der Künstler eigentlich sah. Schließlich wurde diese wahrgenommene Genauigkeit für denkünstlerischen Ausdruck weniger wichtig, und die Künstler erlangten einen Teil ihrer kreativen Freiheit wieder. Dies wurde erst dann schneller, wenn die Künstler nicht mehr die Zeit benötigten, die sie für eine Provision verbrachten, oder um ausschließlich Andachtsstücke zu schaffen.

3. Fazit

Im Gegensatz zu den Künstlern aus der Renaissance, entschied ich mich, die ganze Theorie aufzugeben, weil sie verwirrender war, als es mir wert war. Es dauerte einfach immer mehr Zeit, Kunst zu machen. Als ich kürzlich an einem Urban Sketchers-Meeting teilnahm, wurde mir klar, dass ich, zumindest was das Skizzieren angeht, die Perspektive von der falschen Richtung aus angegangen war. Mir wurde klar, dass ich zuerst schauen musste, was tatsächlich dort war und wie der Raum aussah, anstatt so zu sehen, wie die Theorie es verlangte. Nach und nach könnte ich dann die mathematischen Regeln wie Richtlinien auf das anwenden, was ich schuf.